Organizada y confeccionada por las estudiantes, la temática del desfile se centró en "la incertidumbre sobre quiénes somos como uruguayas, y convierte esa búsqueda de identidad en un llamado a ser vistas y escuchadas como creativas", según lo descrito en un trabajo académico de las estudiantes.
Con esta idea en mente, se presentaron siete colecciones: Ataraxia, Huella, #GARRA, Quiebre, Ser a través del otro, Entre y Rastro. Cada una de ellas representó un aspecto de la idiosincrasia uruguaya.
Al desfile asistieron autoridades y funcionarios de la Universidad ORT Uruguay y de la Facultad de Diseño, así como familiares y amigos de las estudiantes. La convocatoria también incluyó a influencers y creadores de contenido vinculados al ámbito de la moda uruguaya.
El desfile recibió la cobertura de varios medios de comunicación, tales como Canal 12, El País, InfoStyle, Portada Punta, Caras y Caretas y Galería, entre otros.
La actividad contó con la participación de Magdalena Vilaró y Ana Darracq, docentes responsables de la asignatura, y de D. Ind. y T. M. Mariana Muzi, coordinadora académica de la carrera. También participaron como invitados el estilista brasileño y profesor visitante de ORT Lucius Vilar y la docente brasileña Carol García.
Colecciones de 09UY
#GARRA
Por: María Victoria Britos, Paula Di Lorenzi, Camila Echeverría y Federica García.
La primera colección en pisar la pasarela fue #GARRA, que tomó el concepto uruguayo de la Garra Charrúa para reflexionar sobre los desafíos de ser un joven creativo en Uruguay. Según lo explicado por Camila Echeverría, una de las diseñadoras de la colección:
La colección toma la garra por su filosofía de seguir adelante a pesar del contexto, como símbolo de perseverancia, esfuerzo y resistencia, pero también del cansancio, la frustración y la incertidumbre que atraviesan a los jóvenes creativos.
La tensión entre seguir adelante y quedar estancado se reflejó en cada prenda de #GARRA, mediante el uso de telas rígidas como el denim, la sastrería de algodón y el cuero para representar la fuerza, presente en la estructura de las prendas superiores.
Las diseñadoras también utilizaron el teñido industrial con lavados localizados a modo de simbolizar el desgaste, mientras que el manejo de telas más suaves como el punto Valencia evocó la sensibilidad del artista.
"La colección quiso reflejar las marcas que deja ese recorrido y reivindica el valor del trabajo creativo, muchas veces invisibilizado o desestimado", explicó Camila.
Para el proyecto, las diseñadoras colaboraron con las artistas de Sitio Kiosko, un proyecto de diseño independiente enfocado en indumentaria urbana, quienes intervinieron mediante aerografía, accesorios y una pieza protagonista de la colección.
La colección trabajó con una paleta de tonos neutros y terrosos, como marrones y verdes oliva desgastados, vinculados al esfuerzo, la fuerza y la perseverancia, mientras que los colores llamativos de las estampas representaron la expresión artística.
Las prendas urbanas se caracterizaron por siluetas amplias, capas y detalles utilitarios, incorporando el número tres como recurso constructivo inspirado en las tres garras. Los anudados, por su parte, evocaron las arterias del corazón como origen de la pasión por crear.
Huella
Por: Sofía Carrara, Guillermina Fuentes, Mia Lale y Candela Mármol.
Como segunda propuesta de indumentaria de 09UY en desfilar, Huella tomó como punto de partida la construcción de la identidad a través de las herencias transmitidas entre distintas generaciones.
Costumbres, formas de hablar, sabores y otros elementos de la vida cotidiana se incorporaron y transformaron con el paso del tiempo. En palabras de las diseñadoras, “no heredamos una identidad terminada, heredamos fragmentos”.
A partir de esta idea, la propuesta exploró cómo esas herencias continuaban presentes en el día a día.
Los materiales fueron seleccionados para acompañar este concepto. El jean fue intervenido mediante técnicas de decoloración y tie dye, generando efectos de desgaste y rastros. El microtul se utilizó para incorporar transparencias, mientras que la lana y el cuero aportaron textura y estructura.
Otro elemento destacado fueron los botones dorados, provenientes de Italia, que fueron elegidos por su vínculo con la historia y la herencia. Al ser diferentes entre sí, representaron la diversidad de elementos que formaban parte de una identidad.
La propuesta se completó con una paleta de tonos neutros combinada con acentos de color, que aportaron una mirada contemporánea. Las prendas incorporaron volúmenes y recursos que buscaban proteger y cubrir el cuerpo, mientras que las repeticiones presentes en algunas piezas hicieron referencia a la transmisión de elementos entre generaciones.
Ataraxia
Por: Victoria Magnou, Lucía Puñales, Lara Vignale, Belén Pintos y Manuela Chiapparro.
La tercera propuesta del Fashion Show, Ataraxia, abordó el proceso de transformación identitaria que atraviesan los jóvenes que se trasladan desde el interior del país hacia Montevideo para estudiar.
La propuesta partió de un fenómeno poco explorado dentro de la cultura uruguaya: el desplazamiento que implica dejar atrás una red de pertenencia y enfrentarse a un entorno urbano caracterizado por el anonimato, la velocidad y la desconexión.
Como explicaron las diseñadoras: “ya no es el mismo joven que estudiaba en el interior ni tampoco es un chico más de la capital. Ha logrado adaptarse y fluir entre ambos mundos”.
Así, la colección entiende la identidad como un proceso de adaptación y reconstrucción, en el que el individuo integra aquello que deja atrás con las nuevas experiencias que encuentra en la ciudad.
El concepto se desarrolla a través de dos momentos. El primero, denominado “Apatía”, representa la dificultad inicial de adaptación al nuevo entorno y la necesidad de protegerse frente a una ciudad percibida como más fría e individualista.
El segundo, “Ataraxia”, refiere al momento en que el individuo alcanza un nuevo equilibrio y logra habitar ambos mundos sin pertenecer completamente a ninguno. Esta transición se traduce en una evolución desde prendas voluminosas y envolventes hacia siluetas más livianas y dinámicas.
La colección combina materiales nobles y de composición natural, como el algodón presente en el denim, el jersey y los hilados, con elementos de carácter urbano, como los avíos metálicos, cierres, ojalillos y mosquetones.
De esta manera, las diseñadoras establecieron un diálogo entre el origen del individuo y el nuevo entorno que habita.
La paleta cromática siguió esa lógica de contraste y transición: predominaron los beige, grises y marrones, asociados al paisaje urbano, acompañados por acentos de celeste y terracota vinculados con la naturaleza.
En las prendas, esta dualidad se expresó mediante grandes volúmenes y estructuras envolventes, confeccionados principalmente en denim grueso y brim, que representan la necesidad de protección durante la etapa de apatía.
En contraposición, los vestidos y prendas más livianas, realizados en lino y denim camisero, incorporan movimiento y fluidez para representar la permeabilidad y adaptabilidad alcanzadas en la etapa de ataraxia.
Quiebre
Por: Antonella Pita, Helena Previtali, Victoria Semino y Belén Sobral.
Más adelante, la colección Quiebre apareció en la pasarela del Museo del Gaucho y la Moneda para romper con la forma tradicional, sobria y reservada de habitar la identidad siendo uruguayas.
"Propone correrse de lo esperado y abrir espacio a formas más libres de expresión, donde la osadía, el descaro y lo absurdo tienen lugar", explicó Belén Sobral, estudiante y diseñadora de la colección.
Para transmitir esta idea, el cuarteto de Quiebre utilizó textiles asociados a lo clásico y lo formal, pero combinados de una manera no convencional, trabajando con gabardinas y popelinas lisas junto a brillos, tornasoles y transparencias.
Este contraste, a su vez, también se manifestó en la combinación de colores neutros y opacos con colores vibrantes y saturados como el uso de matices de grises con el amarillo, el rojo, el fucsia y el azul cielo.
La intención fue mostrar cómo lo común y sobrio puede tomar un nuevo color, volviéndose más intenso, vivaz y expresivo.
Las prendas confeccionadas se basaron en recursos de camisería que fueron reversionados, adaptados y reformulados. También se incorporaron terminaciones de la sastrería como bolsillos, ojales y bolsillos sastre, trasladados al exterior de las prendas a modo de intervenir recursos asociados a lo clásico y formal para darles una nueva lectura, generando el contraste y la ruptura que propone Quiebre.
Ser a través del otro
Por: Juliana Hincapié, Avril Xaubet, Andreina Naveda, Chiara Stefanoli y Valentina Marmo.
A Quiebre le siguió Ser a través del otro, una propuesta que abordó la construcción de la identidad a partir de la mirada de los demás, tomando los juicios y las expectativas sociales como punto de partida para el proceso creativo.
En el contexto uruguayo, la colección cuestionó la tendencia a etiquetar y homogeneizar a las personas, y planteó la expresión individual como una forma de transformar aquello que condiciona la identidad.
La propuesta estuvo dirigida a jóvenes creativos que encontraron en la vestimenta una herramienta para comunicar y expresar su identidad.
La colección combinó materiales asociados al trabajo y la funcionalidad —como denim, sastrería, gabardina, popelina y rib— con tejidos de punto y diferentes recursos que modificaron su apariencia original.
Puntadas visibles, alforzas, ganchos, clips, cadenas, bordados y elementos desmontables se incorporaron a las prendas para representar las marcas que el entorno deja sobre cada individuo.
Las siluetas amplias y la forma de reloj de arena reforzaron el concepto de una identidad que, inicialmente condicionada por las presiones sociales, logró expandirse al encontrar espacios para la expresión personal.
Los accesorios también formaron parte de esta propuesta, con carteras, cinturones, collares, prendedores y boinas que incorporaron cadenas, charms, acrílicos, hilados y ganchos.
En los estilismos se combinaron prendas inspiradas en la indumentaria de trabajo con tejidos y accesorios más delicados, generando contrastes entre elementos estructurados y recursos vinculados con la expresión individual.
Entre
Por: Agustina Bolumburú, Sofía Castelló, Lucía Barbieri y Sabrina Machado.
La colección Entre estuvo basada en el concepto del mismo nombre, que representó la tensión entre el silencio y la necesidad de expresarse.
La colección se inspiró en el rock nacional y la identidad del uruguayo, definida por sus diseñadores "como nostálgico y emocional", que buscan a través de sus prendas "mostrar ese estado intermedio entre lo que se guarda y lo que finalmente se hace visible".
Los materiales elegidos para transmitir el concepto fueron los tejidos livianos y transparentes, las telas deshilachadas, los paños y detalles en cuero. La mezcla de materiales suaves y estructurados genera contraste y profundidad, un punto intermedio entre un mundo liviano y otro fuerte
La paleta cromática de la colección combinó celestes grisáceos, beige , marrón con bordó, violeta, rojo, azul y negro. Los tonos neutros remiten al paisaje, al cemento y a la calma, mientras que también evocan aspectos de la cultura uruguaya.
"La intención fue reflejar el contraste entre la calma, el silencio y la energía del rock como forma de manifestación personal", señaló Sabrina Machado.
Entre las prendas diseñadas se destacaron vestidos y pantalones amplios, tops deconstruidos y accesorios de vidrio, cinturones y piezas intervenidas.
Las siluetas envolventes, con énfasis en la cintura, los hombros, las manos y las piernas, junto con los largos irregulares y las superposiciones, reforzaron la idea de una identidad compleja y cambiante, que oscila entre ocultarse y mostrarse, en línea con el concepto general de la colección.
Rastro
Por: Clara Amarelle, Valentina Cadimar, Ana Gremminger y Julieta Itman.
La última colección del Fashion Show fue Rastro, una propuesta que buscó reivindicar las raíces productivas de Uruguay y poner el foco en el campo como parte fundamental de la identidad nacional, desde una mirada diferente y abandonando los estereotipos.
"La colección busca visibilizar una industria que muchas veces permanece invisibilizada para quienes viven en la ciudad, a pesar de ser uno de los principales motores económicos y culturales del país", explicó Valentina Cadimar, y continuó:
Se trata de una reivindicación, de acercar al público urbano una realidad que muchas veces se da por sentada, mostrando que el campo actual es un ámbito altamente tecnificado, innovador y poseedor de un enorme reconocimiento a nivel internacional.
La propuesta invitó, de esta manera, a repensar el vínculo entre la ciudad y el campo, entendiéndolos como dos mundos que no son opuestos, sino complementarios.
Para la confección de las prendas se trabajó con materiales naturales como algodón, cuero y lana, representando una conexión directa con la tierra y aportando una calidad y una autenticidad propias de la producción uruguaya
Sin embargo, el objetivo no fue utilizarlos desde un lugar tradicional, sino reinterpretarlos mediante procesos contemporáneos. Para eso, se incorporó el cuero calado y grabado con corte láser, estampas desarrolladas sobre telas de algodón y diferentes intervenciones que combinan la nobleza de los materiales con tecnologías actuales.
Esa combinación refleja el concepto central de la colección: un campo que mantiene su esencia, pero que evoluciona constantemente a través de la innovación.
La propuesta cromática de Rastro buscó representar la diversidad del paisaje rural. Así, estuvieron presentes los tonos tierra y los verdes característicos del campo, así como los colores que muchas veces pasan desapercibidos dentro de ese paisaje, como amarillos intensos, naranjas, rojos y bordó.
Las estudiantes también trabajaron con estampas: para el exterior de las prendas diseñaron tricromías partiendo de fotografías del territorio, mientras que en los interiores emplearon duotonos con imágenes figurativas.
Mientras que uno suele ver el campo en su horizontalidad, Rastro da un paso hacia atrás y toma como punto de partida imágenes satelitales, las cuales reconocen la diversidad de patrones trazados en la tierra por la propia producción rural.
Las prendas confeccionadas se desarrollaron con una fuerte base conceptual, pero pensadas para ser completamente funcionales y comercializables dentro del contexto urbano.
Así, se diseñaron pantalones, camisas y otras tipologías utilitarias inspiradas en la indumentaria de trabajo, priorizando la funcionalidad y la durabilidad. La intención fue que estas prendas pudieran integrarse naturalmente en la ciudad, simbolizando el encuentro entre ambos universos.
También se exploró el uso del cierre no solo en su función, sino como recurso de diseño, reinterpretándolo mediante intervenciones y nuevas aplicaciones que le aportan un carácter más contemporáneo y técnico.
Estos detalles, junto con los acentos metálicos presentes en las prendas, reforzaron la idea de innovación que atraviesa toda la colección.
After: el final del 09UY
Para finalizar el desfile, los modelos regresaron a la pasarela acompañados por las jóvenes diseñadoras, quienes fueron recibidas con aplausos por parte del público.
Una vez finalizado el desfile, los asistentes participaron de un after con comida y música en vivo.
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